El primitivismo de Papúa bajo la mirada de Ángela Calero, en el Rectorado de Málaga

Papúa. Una prehistoria contemporánea es el nombre de la muestra que se puede ver actualmente en la Sala de Exposiciones del Rectorado de Málaga (Av. de Cervantes), organizada por la Universidad de Málaga, en la que se hace un acercamiento a la cultura de Papúa Nueva Guinea -país frontera con Indonesia en la Melanesia, situado al norte de Australia en Oceanía- a través de la experiencia y la mirada de la artista cordobesa Ángela Calero (1958), actualmente afincada en Málaga.

Papúa, que ha pasado por distintas colonizaciones, conserva, sin embargo, una gran diversidad de pueblos y lenguas indígenas, la mayoría en zonas rurales, que todavía tienen sus costumbres y ritos primitivos, como un oasis dentro de la modernidad.

La artista, que ha pasado varios años de su vida en Papúa y otros países de la zona, nos presenta ahora parte de ese proceso de inmersión a través de esta exposición, comisariada por Patricia Buenodel Río, organizada en 3 partes:

1. Colección: selección de objetos de Papúa que Calero ha ido coleccionando durante los años vividos allí: escudos defensivos, tocado de novia, collares, adornos, bolsa, sujetador...
2. Intervención de la artista sobre piezas autóctonas y
3. Creación: obras originales de Calero inspiradas en la cultura papú.

La puesta en escena  con la creación de una tarima central y  la combinación de colores de la exposición ha sido idea del pintor Diego Santos, como nos comentaba amablemente Ignacio Araújo en la sala del Rectorado.

Exposición interesante desde una doble perspectiva: antropológica-etnográfica y creativa, en la que, una vez más, el primitivismo se convierte en inspirador de la obra de artistas del siglo XX-XXI, con la diferencia en este caso de que estamos hablando de culturas ancestrales que perviven en la actualidad.

Se podrá visitar de lunes a sábado (de 10 a 14 h, y de 17 a 21 h.),  hasta el 2 de marzo de 2019.

Escudo defensivo Papúa , adquirido en 2004-06, (madera y pigmentos naturales)

Tocado de novia y peine papú, adquiridos en 2007 y 2006

(madera, fibra, ciprea /madera de teka)

 Sujetador y collares varios 

(fibras naturales, conchas de ciprea, plumas de casuary...)

Ciudades invertidas  2008 (fotomontaje, impresión sobre hierro)

Pareja de boda de manglar  2010

 (madera de manglar, tela, hilos de cobre y plástico)

Joyero con cosquillero 2011-17 (receptáculo hecho a medida, madera de teka)

Joyero piedra 2015 

(pendientes de fósil y plata, colgante papú de dientes de cocodrilo y fibra vegetal)

Relojes del Paraíso  2012  

(Instalación: metacrilato, maquinaria y plumas de aves del paraíso)

Joyas interiores 2014  (Fotografías sobre metacrilato en cajas retro iluminada, aluminio, tornillo y caja de música)

Metamorfosis 2012   (Instalación de 3 collares: original, intervenido y de creación propia, cordón, cuarzo y metal)

Vista general de la exposición

"El método Kominsky", estupenda serie de tv. La vejez en clave de comedia

The Kominsky method (El método Kominsky) es una serie de tv estadounidense de 2018, que se puede ver en la plataforma Netflix, creada por Chuck Lorre, guionista, compositor y productor de tv, autor de series como "Cybill" o "Dos hombres y medio", entre otras.

De momento solo contamos con una temporada de 8 capítulos de media hora, aunque está previsto una continuación en 2019. Se trata de una comedia o comedia dramática sobre la amistad entre Sandy Kominsky (Michael Douglas), antiguo actor de éxito dedicado ahora a dar clases de interpretación, y su agente y amigo Norman Newlander (Alan Arkin), viejos amigos / amigos viejos...La vejez, la enfermedad, la muerte y la pérdida de seres queridos son temas presentes en la serie, junto con el mundo de la interpretación, el amor, las relaciones familiares... y todo ello con la virtud de un distanciamiento y un toque de humor inteligente.

La serie ha ganado 2 Globos de Oro en la reciente edición de enero de 2019: a la mejor serie de comedia y al mejor actor de comedia: Michael Douglas, premios que consideramos merecidos, aunque no nos podemos olvidar de la fantástica actuación de Alan Arkin en ese tándem de buenos actores que hacen los dos.

"El método Kominsky" es, pues, una serie totalmente recomendable: divertida, tierna, dramática, intensa o ligera a ratos, que nos habla de nuestra vulnerabilidad, de lo que somos y de lo que nos espera, pero que nos logra sacar una sonrisa, y que destaca la amistad como valor necesario.

JR "Momentum", en la MEP de París. El arte de la calle en el museo

JR (París 1983) es el apodo del fotógrafo francés Jean René, conocido por hacer art street (arte de la calle). Empezó haciendo fotos con una cámara encontrada en la estación del RER de Charles de Gaulle-Étoile en el año 2000, empapelando con ellas las paredes de la ciudad de París. Fue en 2006 cuando Jean-Luc Monterosso, entonces director de la MEP (= Maison Européenne de la Photographie), le propuso apoderarse de la pared exterior de la institución para presentar su proyecto Retrato de una  Generación, que se exponía entonces sin permiso en la ciudad. 

Doce años después, la Maison Européenne de la Photographie de París invita con todos los honores a JR y le dedica un monográfico en tres plantas: JR. Momentum. La mécanique de l'épreuve ("La mecánica del proceso"), en la que sumerge al visitante en el proceso creativo del artista desde sus inicios con los graffiti y las primeras fotografías, los collages de gran formato y las principales series: Retrato de una generación, Las mujeres son héroes o Las arrugas de la ciudad, entre otras. También presenta nuevas instalaciones, un fresco interactivo sobre el control de armas en Estados Unidos, imágenes de otros fotógrafos que recontextualiza y algunas películas.

Una característica de la forma de trabajar de JR es su interacción con comunidades, barrios y pueblos enteros, donde da voz a personas anónimas en obras de grandes formatos.

Esta exposición le sirve a algunos críticos para cuestionar la presencia del arte de la calle en los museos: hemos visto hace poco a Jean-Michel Basquiat en la FLV de París, y hace dos días leíamos la noticia de que el Museo Británico había decidido incorporar una obra del artista urbano Banksy a su colección. ¿Pierde su fuerza el "art street" cuando se cuelga en las paredes de los museos?

Sin querer entrar en polémica nuestra humilde opinión nos lleva a valorar de forma positiva estas muestras, tanto  como forma de apertura de los museos al arte menos institucional, como por la posibilidad de que los visitantes tomemos conciencia de posiciones y fenómenos tan cercanos, que a veces nos pasan desapercibidos.

Se podrá visitar hasta el 10 de febrero de 2019.

28 milímetros. Retrato de una generación  París 2006

28 milímetros. Retrato de una generación. B11 Montfermeil 2013

Giants. Mohamed Younes Idriss from Sudam  Río de Janeiro  2016

Women are Heroes. Elisabeth Kamanga   Le Havre  2014

Unframed, Children treated in the Ellis Island Hospital  USA 2014

Unframed. I am a man Washington DC  USA 2012

Las arrugas de la ciudad, Estambul (trabajo en proceso) Turquía 2017

Gigantes Brasil 2017

Las arrugas de la ciudad. Acción en Shangai (trabajo en proceso) China 2010

El futurismo de David Burliuk en el Museo Ruso de Málaga

Caballos  1908  (óleo sobre lienzo)

David Burliuk  (Ucrania 1882-E.Unidos 1967) es considerado uno de los artistas vanguardistas más importantes de Rusia, padre del Futurismo ruso. Formado en Munich, París y Moscú, se movió en principio entre el postimpresionismo y el expresionismo, expuso con  Der blaue Reiter (El jinete azul), y con la Sota de diamantes y, en 1912, junto con el poeta Maiakovski firmó el manifiesto "Una bofetada en la cara del gusto del público", documento fundamental de las nuevas vanguardias en Rusia. 

Tras la revolución de 1917, Burliuk salió del país y vivió en Siberia y en Japón, instalándose definitivamente en Estados Unidos en 1922, y nacionalizándose allí. Junto con su mujer creó el periódico Color y rima, con importantes publicaciones sobre el arte ruso y la cultura en general.

El Museo Ruso de Málaga ha dado a conocer la figura de este artista gracias a la muestra que le ha dedicado en el espacio 3, antesala de la exposición Kazímir Malévich. Se presentan en total 15 obras, procedentes del Museo Ruso de San Petersburgo, entre las que se encuentran algunas de las más emblemáticas de Burliuk como "El caballo relámpago", "Retrato del poeta Vasili Kamenski", "Paisaje desde cuatro puntos de vista", entre otras. En ellas se pueden ver algunos de los rasgos que las definen: la importancia del color, el método compositivo de intercambio de horizontales y verticales, el ensamblaje de las figuras,etc.

Artista muy interesante pero poco conocido en la cultura occidental, del que solo habíamos visto alguna obra en exposiciones colectivas como la de "Dadá ruso" en el Museo Reina Sofía, y de la que ya hablamos en este blog. 

Con motivo de la clausura de las tres exposiciones que se pueden ver en el Museo Ruso actualmente, este fin de semana se celebra jornada de puertas abiertas: sábado 2 y domingo 3 de febrero de 2019, en el horario habitual de 9.30 a 20 h.

Última oportunidad para acercarse a esta programación de lujo.

Retrato del poeta futurista Vasili Kamenski  1917  (oleo sobre lienzo)

Pequeños rusos  1912  (-oleo sobre lienzo)

Caballo-relámpago  1907  (óleo sobre lienzo)

Puente, Paisaje desde 4 puntos de vista  1911 (óleo sobre lienzo)

Paisaje con carruaje y molino (Paisaje desde 4 puntos de vista) 1930-40 (óleo sobre lienzo)

El color de los sueños de Miró en el Grand Palais de París

"Para mí, un cuadro debe ser como destellos, hace falta que deslumbre como la belleza de una mujer o de un poema"    (Joan Miró)

Miró. La couleur de mes rêves es la exposición que hemos podido ver hace unas semanas en el Grand Palais de París, en la que se hace una inmersión total en el artista español (Barcelona 1893-Palma de Mallorca 1983) a través de un recorrido por sus 70 años de creación, destacando su evolución técnica y estilística.

La muestra, comisariada por Jean-Louis Prat, antiguo director de la Fundación Maeght (1969-2004), y amigo personal de Joan Miró, presenta unas 150 obras entre pinturas, dibujos, cerámicas, esculturas, litografías y libros ilustrados, desde sus primeras creaciones  en 1917, cercanas al fauvismo, cubismo, y posteriormente al Surrealismo -movimiento en el que se le ha etiquetado, a pesar de que él siempre ha defendido su libertad creativa- hasta sus últimas obras de los años 70 como los "Lienzos quemados".

Y en ese recorrido vital y artístico aparecen 3 lugares de referencia: la Barcelona de sus comienzos, el París de los años 20 y de las amistades: Desnos, Breton, Prévert, Aragon, Picasso...y Palma de Mallorca, donde construye en 1956 el gran taller que siempre soñó.

La exposición se articula en 16 bloques temáticos a lo largo de 16 espacios del Grand Palais, en los que vamos viendo, de forma cronológica, la evolución de Miró y las distintas técnicas y materiales:

1. Un "fauvista catalán" (1915-17). 2. El Cubismo (1916-19). 3. Las pinturas detallistas (1918-22). 4. Amigos, poetas y escritores. 5. El Surrealismo (1925-27). 6. Los paisajes imaginarios 1927. 7. El ascenso de los fascismos. 8. Las pinturas sobre masonita 1936. 9. Las Constelaciones (1939-41). 10. El pabellón de la República española 1937. 11. La cerámica. 12. Los años de posguerra (1947-54). 13. Esculturas. 14. El gran taller de Mallorca. 15. Azul I, Azul II, Azul III 1961. 16. La obra definitiva.

Aunque hemos visto en ocasiones anteriores exposiciones sobre Miró, o sobre algunos aspectos de su obra -la más reciente e interesante la dedicada a sus Esculturas en el Centro Botín de Santander- ninguna de ellas tan completa y monumental como esta gran retrospectiva. Chapeau!

Ya en sus últimos días. Se podrá visitar hasta el 4 de febrero de 2019.

La casa de la palmera  1918  (óleo sobre lienzo)

Retrato de una bailarina española  1921  (óleo sobre lienzo)

La granja  1921-22  (óleo sobre lienzo)

El caballo, la pipa y la flor roja  1920  (óleo sobre lienzo)

Mano persiguiendo a un pájaro  1926  (óleo sobre lienzo)

El Carnaval de Arlequín 1924-25  (óleo sobre lienzo)

Ceci est la couleur de mes rêves  1925  (óleo e inscripción a mano sobre lienzo)

Aidez l'Espagne  1937 (plantilla sobre papel)

Mujeres rodeadas por el vuelo de un pájaro  1941 (gouache y óleo sobre papel)

Joan Miró y Josep Llorens i Artigas  1956

Plato / Huevo de mamut/ Personaje doble  (gres pintado, cerámica y cerámica refractaria)

Azul I  /  Azul II  / Azul III  1961  (óleo sobre lienzo)

Pájaro lunar   1966  (bronce)

Pintura. Para Emilio Fernández Miró  1963  (óleo y acrílico sobre lienzo)

La caricia de un pájaro  1967  (bronce)

Mujer, pájaro, estrella (Homenaje a Pablo Picasso, 15 de febrero de 1966)

1966 /1973  (óleo sobre lienzo)

Lienzo quemado II   1973  (acrílico sobre lienzo cortado y quemado)