Manhattan

Manhattan

Ir a

sábado, 31 de agosto de 2019

La modernidad de Fernand Léger , en el IVAM de Valencia

 "Todo el mundo tiene derecho al arte. Con tiempo y ánimo la gente aprende a vivir y amar el arte moderno."   (Fernand Léger)
Fernand Léger (1881-1955), fue un artista francés polifacético, conocido sobre todo por sus pinturas, pero también cineasta, diseñador, fotógrafo, muralista, escritor... Admirador de la obra de Cezanne, contemporáneo de Picasso y Braque, y amigo de Le Corbussier y de Charlotte Perriand,  pronto pasó a ser él mismo un exponente fundamental de vanguardias del siglo XX tan importantes como el cubismo, el futurismo y la abstracción, así como un precedente del pop art, influyendo en muchos artistas posteriores como es el caso del Equipo Crónica, del que el IVAM hace un caso de estudio.
Léger fue un artista comprometido política y socialmente con su tiempo, afiliado al Partido Comunista, que defendió la función social del arte, un arte dirigido a todo el mundo y no solo a una élite, y destinado a elevar la calidad de vida de todas las personas.
En sus obras reflejó la modernidad de esa época en la que las máquinas empezaban a ocupar un papel importante: le fascinaban el cine, el neón, los elementos mecánicos, el circo...y buscó la belleza en los objetos cotidianos y en el mundo del trabajo, siempre con una visión optimista.
La exposición Fernand Léger y la vida moderna que se puede ver actualmente en el Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) de Valencia, es la primera que se hace en España desde hace veinte años desde la retrospectiva que le hizo el Museo Reina Sofía, y refleja por un lado, la representación de la modernidad que hace el artista de esos principios del siglo XX, en los que París era la metrópolis por excelencia y, por otra parte, su compromiso social y político.
La muestra antológica, en coproducción con la Tate Liverpool, donde ya se ha podido ver, comisariada por Darren Pih y Laura Bruni, reúne casi cien obras: más de cincuenta pinturas, dibujos, diseños gráficos, libros, películas, telas y un gran fotomural, organizadas en secciones que hacen un recorrido cronológico y temático por la obra de Léger:
  • La experiencia de la vida moderna: película Ballet mecanique" , 1923, Hommage à la Danse, 1925, Trois femmes sur fond rouge 1927 ....
  • Naturaleza muerta y paisajes modernos: Les deus femmes au bouquet 1921, Nature morte à la chope de bière 1921...
  • La Exposición Internacional de Arte y Fotografía 1937: "Joies essentielles, plaisirs nouveaux" Pavillon de l'Agriculture. Paris 1937 /2011
  • Objetos poéticos
  • El gran sujeto: temas claves en su vida y obra (música, circo, ciclistas, el trabajo en equipo): Les deux cyclistes, la mére et l'enfant 1951, L'acrobate et sa partenaire 1948, Eude pour "Les constructeurs", l'equipe au repos 1950 ...
Se podrá visitar hasta el 15 de septiembre de 2019, y es una oportunidad de conocer de primera mano a una figura emblemática del arte del siglo XX, que creía en el compromiso y el poder transformador del arte.

Presentación de la exposición

Trois femmes sur fond rouge  1927  (óleo sobre lienzo)

Hommage à la Danse  1925  (óleo sobre lienzo)
Les deux femmes au bouquet  1921  (óleo sobre lienzo)
Éléments mecaniques  1919  (óleo sobre lienzo)
Les danseuses aux clés  1930  (óleo sobre lienzo)
L'engrenage rouge (Nature morte en rouge et bleu) 1939 (óleo sobre lienzo)


Mujer y niño  (óleo sobre lienzo)
Joies essentielles, plaisirs nouveaux. Pavillon de l'Agriculture. Paris 
Exposition Internationalle 1937/2011 acrílico,collage e impresión de papel sobre tabla
Deux femmes tenant des fleurs 1954  (óleo sobre lienzo)
L'acrobate et sa partenaire  1948  (óleo sobre lienzo)
Une chaise et un pot de fleurs  1954 (óleo sobre lienzo)
Étude pour "Les constructeurs"; l'equipe au repos 1950 (óleo sobre lienzo)
Ballet mecanique  1923  Película muda de 13' 11''  
realizada con Dudley  Murphy y Man Ray (música de George Antheil)

miércoles, 28 de agosto de 2019

Marinas de Gerhard Richter, en el Museo Guggenheim de Bilbao



Marina (Seestück)  1968 (óleo sobre lienzo)

“Mis paisajes tienen conexiones con el Romanticismo: a veces siento un auténtico deseo, una atracción, hacia ese período, y algunas de mis pinturas son un homenaje a Caspar David Friedrich". (G.Richter  1999)

Gerhard Richter (Dresde 1932) es un artista alemán reconocido internacionalmente desde los años 60, con altas cotizaciones de sus obras, algunas de las cuales están en las colecciones permanentes de importantes museos como el MoMA de New York, el Guggenheim de New York y Bilbao, el Museo Reina Sofía, y la Tate, entre otros.
Empezó haciendo murales, para luego dedicarse a la foto-pintura, (pinturas que parecen fotografías), con influencia del expresionismo abstracto, el constructivismo, el movimiento Fluxus, además de su interés por el romanticismo, como él ha señalado en muchas ocasiones.
Es un artista polifacético que ha realizado óleos, esculturas, acuarelas, atlas, libros de artista, fotografías sobrepintadas, vidrieras (entre ellas las de la catedral de Colonia, donde reside actualmente)...(Ver página web)
La figura de Richter, su obra, y el pasado nazi de su familia ha inspirado la película de 2018 del director alemán, Florian Henckel von Donner (autor de "La vida de los otros") : "Werk ohne Author",  que vimos recientemente en España, con el nombre de La sombra del pasado, y acogida diversa por la crítica.
La exposición Marinas, que se puede ver actualmente en la sala circular 304 del Museo Guggenheim de Bilbao presenta por primera vez reunidas 10 marinas de las 24 que Richter realizó a lo largo de treinta años, desde 1968 hasta 1998, la última de ellas perteneciente a la colección permanente del museo.
Son pinturas que desde lejos parecen fotografías, a veces desenfocadas,  pinturas abstractas  formadas por un collage de cielo y mar, con efectos de luz y color, que van más allá de la representación de la naturaleza. Como dice la comisaria de la muestra, Lucía Agirre, "una marina de Richter es mucho más que una representación del mar; es una invitación a la contemplación de una ilusión, que quiebra las reglas de la naturaleza, para hacerla más bella, más sublime y, sobre todo, perfecta."
Interesante monográfico para conocer esta faceta del artista alemán y su evolución en la técnica del fotorrealismo a lo largo de treinta años.
Se puede visitar hasta el 9 de septiembre de 2019.
Marina (verde-grisáceo nublado)  1969  (óleo sobre lienzo)
Marina (nublado color oliva) 1969  (óleo sobre lienzo)
Marina  1998  (óleo sobre lienzo)
Gerhard Richter 
Vista de sala

martes, 27 de agosto de 2019

"Perversidad. Mujeres fatales en el Arte Moderno", en el Museo Carmen Thyssen de Málaga


La exposición Perversidad. Mujeres fatales en el Arte Moderno 1880 - 1950, que se puede ver actualmente en el Museo Carmen Thyssen de Málaga, hace un recorrido por la imagen de la mujer en el arte desde fines del siglo  XIX hasta mitad del XX, destacando la trangresión como elemento común en esas representaciones de la mujer, en principio desde la mirada masculina, con la creación del mito de la femme fatale en el Romanticismo (Carmen...) y otras referencias bíblicas, mitológicas y literarias, pasando por la representación de la sensualidad / sexualidad de la mujer, y la perversidad enfocada en el mundo de la prostitución y del cabaret, hasta llegar a una nueva iconografía en la que son representadas mujeres modernas, rompedoras, que tuvieron un papel importante en el mundo del cine, de la moda, del arte...como Greta Garbo, Coco Chanel o Kiki de Montparnasse, y en la que mujeres artistas como Suzanne Valadon, o las españolas de la Generación del 27, Maruja Mallo y Delhy Tejero aportarán una nueva mirada. 
La muestra, comisariada por Lourdes Moreno, directora artística del Museo, y patrocinada por la Fundación Unicaja, está organizada en tres bloques temáticos:
  • Belleza Maldita. Revisión moderna del mito de la femme fatale.
  • Reinas del Abismo. Mujeres de la noche y la vida moderna.
  • Nuevas Mujeres. Activas, creativas e independiente
En total, se presentan 71 obras, procedentes de distintas instituciones, museos, y colecciones privadas españolas e internacionales. Son en su mayoría pinturas, aunque también encontramos  escultura, dibujo, grabado, fotografía e ilustración gráfica, de artistas como Masriera, Romero de Torres, Beltrán Masses, Klimt, Rafael de Penagos, Kees van Dongen, Man Ray, Grosz, Pablo Picasso, Dalí, Pablo Gargallo, Suzanne Valadon, Maruja Mallo, Ignacio Zuloaga, Auguste Chabaud, Anglada-Camarasa, Xavier Gossé, Rafael Pellicer, Guezala... representantes de movimientos artísticos diversos como el Simbolismo, Modernismo, o de las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX.
Exposición muy interesante que hace un repaso de la iconografía sobre la mujer en un momento de cambio de paradigma, desde el estereotipo único de la visión masculina -muchas veces, misógino- a otras formas de mirar a la mujer, con mujeres artistas que reivindican un nuevo papel de la mujer, alejado de clichés y convenciones.
Se podrá visitar hasta el 8 de septiembre de 2019.
Georges Clairin: Sarah Bernhardt  1880-85  (óleo sobre lienzo)
Kees van Dongen: El chal español  1913 / El tango del arcángel 1913-1935 
(óleos sobre lienzo)
Ignacio Zuloaga:  Desnudo del clavel  1915 (óleo sobre lienzo)
 Federico Beltrán Masses: La maja del puerto  1921 /  La noche de Eva 1929 (óleos sobre lienzo)
Auguste Chabaud: Ivette (El vestido de cuadros) 1907-08  (óleo sobre lienzo)
Suzanne Valadon: Desnudo en un sofá rojo 1920 / Mujer con medias blancas 1924 
(óleos sobre lienzo)
Antonio de Guezala: Concha  1915  (óleo sobre lienzo)
 
Man Ray: Negra y Blanca  1926  (gelatinobromuro de plata sobre papel)
Julio Romero de Torres: Mujer con pistola  1925 (óleo sobre lienzo)
Xavier Gosé:  El sombrero de tul  1909 
(lápiz conté, carbón y gouache sobre cartulina)
Maruja Mallo: Oro  1951 (óleo sobre lienzo encolado a tabla)
 Rafael Pellicer: Las universitarias  1934 (óleo sobre lienzo)
Delhy Tejero: Mussia  1954  (óleo sobre lienzo)
Vista de sala

martes, 20 de agosto de 2019

"30 años de Diseño Industrial en la UPV", en Bancaja de Valencia. La belleza de lo útil...



El diseñador es un intérprete del mundo y sus artefactos son objetos suprafuncionales que, contrariamente a los objetos de ingeniería, siempre representan una segunda intención, una lectura metafórica o artística, sin renunciar, por otra parte, a su integración en el circuito diario de la funcionalidad objetiva.  
(Fátima Pombo y Hilde Heynen  2012: "Designing beauty in use: Sceneries by design and meaning by interpretation")

La exposición 30 Años de Diseño Industrial en la UPV, que se puede ver actualmente en la Fundación Bancaja de Valencia, organizada conjuntamente con Bankia y la Universitat Politécnica de València en su 50 aniversario,  hace un recorrido por la obra de diferentes profesionales del diseño desde los años 80 a la actualidad.
Desde la creación de esta escuela de diseño industrial en la UPV hasta la actualidad, se recogen casi un centenar de obras de 26 diseñadores, estudios y empresas, en sectores diversos como mobiliario, juguetes, medioambiente, automoción, interiorismo, cerámica...Homenaje a muchos de estos creadores que han conseguido premios internacionales como el Red Dot Design Award, IF Design Award, German Design Award el Príncipe Felipe a la Excelencia Empresarial entre otros.
La Comunidad Valenciana tiene una larga tradición de diseño industrial y esta muestra, que coincide con la candidatura de Valencia como Capital Mundial del Diseño en 2022, pretende dar visibilidad a  destacados diseñadores y a empresas innovadoras de este sector en Valencia.
Se presentan piezas de diseñadores como Miguel Bartolomé, Ramón Esteve, Javier Villar, Marisa Gallén, Sandra Figuerola... los estudios Odos Design, Discoh Design, Thinkers Co, La Mamba, Cuatro Cuatros y MUT Design Studio...empresas como Closca, Cecotec, Innoarea Design Consulting entre otros.
Algunas de estas piezas forman parte ya de nuestra vida cotidiana en la casa, el supermercado o la calle, y en todas ellas se conjuga su funcionalidad práctica con la estética. ¿Quién ha dicho que lo útil no pueda ser bello?   
Para diseñadores y para todos los que creemos que el arte no está solo en los museos... Se podrá visitar hasta el 8 de septiembre de 2019.
Marisa Gallén  /  Sandra Figuerola
Carlos Ferrando  (Closca)
Raúl Llagüerri
Tomás Morcillo  (ITM)
Nieves Contreras (Sagen Ceramics)
Javier Villar
Marisa Llongo (Estudio Llongo)
Víctor Carrasco (Viccarbe)
Samuel García (Heetee Baby)
Ramón Esteve (Noken Porcelanosa Bathrooms)

sábado, 17 de agosto de 2019

"Jenny Holzer. Lo indescriptible", en el Museo Guggenheim de Bilbao

Purple  2008  (luces led con textos en inglés y español)


Jenny Holzer (Gallipolis, Ohio  1950) es una artista estadounidense que vive y trabaja en New York.  Empezó como pintora abstracta -admiraba a Malevitch, Rothko...- pero pronto se acercó al arte conceptual,  utilizando la palabra como material fundamental de sus obras: en los años 70 empezó a "empapelar" Times Square y otros lugares de New York con  textos de denuncia sobre abusos de poder, violencia, situación de la mujer...Estos textos, a los que llamó truisms (truismos) tienen la forma de máxima, aforismo o sentencia filosófica. Pronto empezó a utilizar otros soportes: bancos, luces led, camisetas... y a partir del 2000 utiliza poemas y textos en prosa de otros autores. La utilización del lenguaje verbal responde al deseo de llegar al máximo de gente, como ella dice.
Se considera feminista: Ser feminista está en mi naturaleza, en mi vida. No puedo ver las cosas más que como feminista. En ese sentido, mi obra es militante”, pero en sus obras también está presente la lucha contra las injusticias, la guerra, la discriminación...
Sus obras se han podido ver en espacios públicos y en exposiciones en la Bienal de Venecia, Guggenheim de N.York y Bilbao, Whitney Museum of American Art entre otros, y ha recibido diversos premios internacionales como el León de Oro de la Bienal de Venecia de 1990.
Se presenta ahora en el Museo Guggenheim de Bilbao la exposición Jenny Holzer. Lo indescriptible, en la que se hace un recorrido completo por toda su obra hasta la fecha. Está patrocinada por la Fundación BBVA y comisariada por Petra Joos, con la colaboración de la propia artista, que ha estado ligada al Museo Guggenheim de Bilbao desde su inauguración con la obra Instalación para Bilbao, de 1997, además de la obra Pareja de Arno, 2010, dos bancos de piedra con inscripciones, donada por la artista al Museo.
Se presentan obras de los años 70 y 80, con textos propios como los Truisms y los Inflamatory Essays, obras posteriores con textos de otros autores o testimonios de los refugiados de la guerra de Siria y de personas agredidas o violadas, documentos gubernamentales que eran secretos, sobre las violaciones como arma de guerra en la antigua Yugoslavia...en distintos soportes: carteles, bancos, letreros luminosos, pinturas, dibujos...y obras de nueva creación, con algunas instalaciones específicas para esta exposición, entre ellas la que tuvo lugar durante diez días de marzo de 2019 sobre la fachada del Museo que da a la ría de Nervión, con proyecciones luminosas con poemas en inglés, español y euskera.
La muestra incluye también esculturas y obras en papel de autores que han influido en Holzer, como Paul Klee o Louise Bourgeois...
Exposición interesante para conocer el recorrido de esta artista, que pretende implicar a un público amplio a través de sus reflexiones sobre temas universales como la violencia, la muerte, el sexo...y el abuso de poder en general.
Se podrá visitar hasta el 9 de septiembre de 2019. 

All Fall  (Todos caen) 2012  detalle   (5 rótulos de led con diodos verdes, rojos y amarillos + textos del gobierno de E.Unidos)
Memorial Bench II: Eye cut by flying glass... 1996  
(banco de caliza indiana, texto de Erlauf)
Instalación permanente para Bilbao  1997 (9 columnas luminosas)
Textos sobre la fachada del Guggenheim (Marzo de 2019)
Jenny Holzer