Carmen Calvo, en el Museo Cerralbo de Madrid. "Quietud y vértigo"

"En la soledad"  2013

"Si las fotografías detienen el tiempo, yo trato de llevarlas al presente. Es una manera de manifestarme con imaginación y escapar de la censura". 

(Carmen Calvo)

"Carmen Calvo. Quietud y vértigo" es el nombre de la muestra que se presenta en el Museo Cerralbo de Madrid, dentro del marco de PHotoESPAÑA 2018 y en la que la artista utiliza como base la fotografía. 

Carmen Calvo (Valencia 1950) es una artista conceptual, defensora de la libertad creativa de la mujer, con una mirada crítica sobre la sociedad y la moral, cargada de ironía y humor, que utiliza distintas técnicas y materiales: pintura, dibujos, collages, fotografías, instalaciones... Formada en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y Madrid, su estancia en París fue fundamental en su evolución artística. Representó a España, junto con Joan Brossa, en la Bienal de Arte de Venecia de 1997, y ha obtenido diversos premios, entre ellos el Premio Nacional de Artes Plásticas 2013, con numerosas exposiciones -individuales y colectivas- y a la que acabamos de ver junto con otras artistas valencianas en la magnífica "A contratiempo" (IVAM Valencia).

Quietud y Vértigo, comisariada por Oliva María Rubio, toma el título de un verso del poeta francés Arthur Rimbaud, y se centra en los trabajos que Carmen Calvo ha realizado con fotografías antiguas anónimas, de los años 40 a los 70, en plena dictadura, procedentes de álbumes familiares o de mercadillos. La artista, que "bebe en las fuentes del Surrealismo", ha intervenido sobre estas fotos de distintas maneras: pintura, collages... añadiendo antifaces, máscaras, crucifijos, textos, con personajes que tienen los ojos o bocas tapados, y con el objetivo de provocar en el espectador una segunda lectura a las imágenes originales, en un nuevo contexto,y con una carga de crítica irónica sobre la sociedad y la moral de entonces. A ello contribuyen también los títulos de estas obras, no descriptivos sino poéticos, enriqueciéndolas con nuevos significados.

Exposición muy interesante en la que se recupera la memoria a través de intervenciones desde el presente.

Hasta el 16 de septiembre de 2018.

(Todas las obras aquí reflejadas utilizan técnica mixta, collage y fotografía)

"Y no he quedado para nadie"  2006

"Mi alma está cansada de la vida"  2004

"A Blanca"   2016

"Ricardo el pescadero"  2008

"La perversión de la mirada"  2004

"No es lo que parece"  1999

"El bufé"  2005

"Es la desgracia"  2001

"Los ojos de los pobres"  2000

La edad de oro. Cine clásico en Málaga 2018

Se celebra una vez más en Málaga, del jueves 6 al 13 de septiembre de 2018, el  ciclo La Edad de Oro. Cine clásico, ya en su 6ª edición, con el objetivo de acercar el cine clásico al gran público. Organizado por el Ayuntamiento de Málaga y el Festival de Málaga, con la colaboración de la Obra Social de La Caixa y ClassicFilms se presentan 22 películas en 5 ciclos:

1. Centenario William Holden
2. Alfred Hitchcock
3. Joseph L. Mankiewicz
4. Jean-Luc Godard  y 
5. Stanley Donen

Se rendirá un homenaje al cineasta Miguel Alcobendas (Madrid 1939- Málaga 2014), tan comprometido con Málaga y Andalucía desde 1967, y habrá también un Seminario de Crítica de Cine, Talleres sobre el lenguaje cinematográfico para mayores de 55 y Encuentros con Álex de la Iglesia, Javier Gurruchaga, Pepe Sacristán y José Luis Garci.

Como siempre, allí estaremos.

Ver Programación detallada

Miguel Alcobendas

  

Álex de la Iglesia     Javier Gurruchaga

Pepe Sacristán    José Luis Garci

"Players", en la Fundación Telefónica de Madrid. El juego en las fotografías de la Magnum

"Quiero recordar a todos que Magnum fue creada para permitirnos y, de hecho, para obligarnos a traer testimonio de nuestro mundo de acuerdo a nuestras propias capacidades e interpretaciones". (Henri Cartier-Bresson)

"Players. Los fotógrafos de Magnum entran al juego" es la exposición que se puede ver actualmente en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid, enmarcada dentro del XX aniversario de PhotoEspaña, y ya en sus últimas semanas.

Comisariada por Cristina de Middel, Premio Nacional de Fotografía 2017, y por el fotógrafo británico  Martin Carr, miembro de la Agencia Magnum desde 1994, la muestra pretende mostrar la cara menos seria y más desenfadada de esta agencia, fundada en 1947 por  Robert Capa, David Seymour "Chim", Henri Cartier-Bresson, George Rodger y Bill Vandivert, una agencia mítica en el mundo del fotoperiodismo, de la que han formado parte 92 fotógrafos que han reflejado los hechos históricos más importantes del siglo XX, ayudándonos a entender el mundo que nos rodea a través de imágenes que son un referente en la historia de la fotografía.

En esta ocasión la muestra presenta unas 200 imágenes, en color y en blanco y negro, de 46 fotógrafos de la Agencia Magnum, de distintas generaciones, desde históricos como Jim Goldberg, Bruce Davidson, Susan Meiselas ,Elliott Erwitt, Richard Kalvar o Cristina García Rodero a incorporaciones más recientes como Alex Webb, Alec Soth, Carolyn Drake o Christopher Anderson.

En todas las fotografías que se presentan aquí el protagonista es el juego, entendido en todas sus facetas: deportivo, musical, actividades de ocio, divertidas, y todas aquellas en las que el fotógrafo utiliza el humor y la ironía visual, en complicidad con el espectador. Los fotógrafos juegan con la cámara o miran cómo juegan los demás, y nos presentan la parte amable y lúdica de la vida cotidiana. Hasta el 16 de septiembre de 2018.

Burt Glinn: "Miembros de la Seattle Tubing society, a flote"  1953

Richard Kalvar

Elliott Erwitt: "Autorretrato" Saint Tropez, Francia  1979

Cristina García Rodero: "El enharinao"  Laza, Galicia 1985

 Carolyn Drake: "Fiesta de cumpleaños en Olympia" Florida 2005

Richard Kalvar: New york city  1969

 Alex Webb: Niños jugando en La Habana"  2000

Harry Gruyaert: "Baile en la Plaza del Pueblo", Shangai  1999

PatricK Zachmann: Sin título  Bastilla, París  1999

"Warhol. El arte mecánico", en el Museo Picasso de Málaga

"Nunca quise ser pintor. Lo que yo quería ser era bailarín de claqué"  

(Andy Warhol)

Andy Warhol (Andrew Warhola,  Pittsburg 1928 - New York 1987) es considerado como uno de los principales representantes del Pop Art, corriente artística que se desarrolló durante los años 50 y 60, relacionada con la cultura de masas, y que utilizó elementos de la vida cotidiana como objetos de arte. 

Warhol empezó su carrera como diseñador publicitario, para dedicarse luego a la pintura y a la escultura, hasta llegar a la repetición seriada, a través del proceso mecánico de la serigrafía, de elementos procedentes de los medios de comunicación y de la sociedad de consumo. Sus series sobre las latas de sopa Campbell o Coca-Cola, o sobre personajes o mitos populares como Marilyn Monroe, Elvis Presley o Mao-Tse-tung son ejemplos muy conocidos. Otra faceta del artista tuvo que ver con el cine experimental, los screen test, y la música: fue diseñador de portadas de discos y productor musical del grupo The Velvet Underground. 

En 1963 creó The Silver Factory, el estudio por donde pasaron muchos artistas underground del momento. Una de ellas, Valerie Solana disparó sobre Warhol en 1968, atentado del que no se recuperó nunca y que le obligó a llevar corsé durante veinte años. Este hecho lo dejó traumatizado, con un miedo a la muerte que se refleja en muchas de sus obras.

Como ya se dijo en el coloquio sobre el artista, que tuvo lugar el pasado 31 de mayo en el Museo Picasso, Warhol fue una gran colorista, aunque no le interesaba demasiado la pintura, y representa perfectamente al artista moderno, que no solo hace pintura, sino también vídeos, música, etiquetas para productos...

La exposición "Warhol. El arte mecánico", que se puede ver actualmente en el Museo Picasso de Málaga, después de haber pasado por CaixaFórum en Barcelona y Madrid, y comisariada por José Lebrero (director del Museo Picasso de Málaga), hace un recorrido por toda la obra del artista desde sus inicios como diseñador gráfico en los años 50 hasta su muerte en 1987, a través de 400 obras de diversos formatos:  pinturas, esculturas, dibujos, serigrafías, instalaciones audiovisuales, libros de artista, películas, portadas de discos, pósteres, revistas, objetos y material fotográfico y sonoro. 

Obras emblemáticas como las Cajas Brillo, o los retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor, o su Autorretrato de 1986, junto a otras obras que no han estado en las exposiciones de Barcelona y Madrid, como las Nine Jackies, o los 12 retratos de Mao, entre otras.

Oportunidad para recordar lo que ha sido el movimiento pop y underground en el arte de la segunda mitad del siglo XX, a través de uno de sus representantes más icónicos.

Hasta el 16 de septiembre de 2018.

Lata de sopa Campbell  1962  (serigrafía sobre lienzo)

Nueve Jackies  1964  (tinta serigráfica sobre lienzo)

Brillo Box / Heinz Tomato Box  1964  

(polímero sintético y tintas serigráficas sobre madera, 5 cajas / tinta serigráfica y pintura doméstica sobre madera)

Andy Warhol + Billy Klüver:  Nubes plateadas  1966/copia de 1994

(lámina de plástico metalizada llena de helio)

Silla eléctrica grande   1967  (acrílico y serigrafía sobre lienzo)

Sin título de Marilyn Monroe   1967  (serigrafía en papel, 10 impresiones)

Liz  1963  (tinta serigráfica y acrílico)

Judith Green  1963-64  (acrílico y tinta serigráfica sobre lino)

 Mao  1973

Calavera  1976  (acrílico y serigrafía sobre lienzo) 

Debbie Harry  1980  (acrílico y serigrafía sobre lino)

Pistola  1981  (acrílico y serigrafía sobre lino)

Autorretrato  1986  (acrílico y tinta serigráfica sobre lino)

"Victor Vasarely. El nacimiento del Op Art", en el Museo Thyssen de Madrid

"Vasarely fue al Op art, lo que Andy Warhol al pop. El mérito de Vasarely, más allá de los hechos tradicionales, fue que convirtió el goce de la creación en la interacción con el espectador. Dio un impulso fundamental en llevar el arte a las masas mediante la explotación de sus imágenes en todos los medios posibles".    (Guillermo Solana, director del Museo Thyssen)

Victor Vasarely (Pécs, Hungría 1906 - París 1997), es uno de los representantes más importantes del arte abstracto geométrico, considerado también como el padre del Op Art, movimiento muy popular en los años 60. El artista, que tuvo una formación científica, con interés por la física y la astronomía, y por el arte abstracto (Mondrian, Malévitch), estudió en 1929 en la escuela  Mühely de Budapest, dirigida por Sándor Bortnyik, figura importante de la vanguardia húngara, y se trasladó en los años 30 a París, donde desarrollaría gran parte de su obra, aunque nunca dejaría de hablar húngaro.

Vasarely prefería calificar su obra como arte cinético, y pretendía que el espectador tuviera un papel activo en la obra de arte, moviéndose para captar el efecto óptico deseado. "Soy pop en el sentido de que me gustaría ser popular", decía el artista alejándose de lo que era en arte pop de entonces.

Se dio a conocer en 1965, a partir de la exposición llamada The Responsive Eye (El ojo sensible)  en el MoMa de New York.

La exposición que se puede ver actualmente en el Museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid, lleva por título "Victor Vasarely. El nacimiento del Op Art", recoge fondos del Museo Vasarely de Budapest, del Museo Víctor Vasarely de Pécs, y de la Fundación Vasarely de Aix-en-Provence entre otros, y está comisariada por Márton Orosz, quien destaca de Vasarely que "ayudó a industrializar el arte con el concepto de multiplicidad. Quería hacer obras que mejorasen la sociedad, que la clase media pudiera comprar, que no estuvieren en subasta o galerías. Quería acabar con el concepto de arte que se tenía en los 60", y llama la atención sobre la actualidad de sus obras que "hoy podrían haber sido creadas por ordenador", 

La muestra hace un recorrido por toda la obra del artista, por sus distintas fases creativas, en un recorrido cronológico en 8 secciones, salvo la primera, "Estructuras Vega", serie emblemática de la obra de Vasarely. A esta le siguen: "Periodo gráfico","Estudios precinéticos y Naissances", "Belle-Isle/Cristal/Denfert", "Periodo Blanco y Negro (Arte cinético), "Sistemas universales a partir de un alfabeto plástico", "Algoritmos y permutaciones", "Floclore planetario" y "Multiples".

Exposición muy interesante que nos sirve para conocer la evolución del arte abstracto, concretamente, de la abstracción geométrica en el siglo XX, anticipo de otras dos muestras sobre Vasarely en los próximos meses, en Frankfurt y en el Centre Pompidou de Paris, y que ha coincido en el tiempo con la exposición dedicada a Eusebio Sempere, artista español representante del arte cinético, en el Museo Reina Sofía de Madrid,  que también hemos tenido la oportunidad de visitar.

Hasta el 9 de septiembre de 2018. 

Vega   1957-59  (serigrafía sobre papel)

Diseño para pañuelo de seda 1944  (gouache sobre cartón, montado en tabla)                  

Cebra  1938-60  (tapiz de lana)

Hombre en movimiento (estudio del movimiento) 1943  (témpera sobre contrachapado)

Vessant  1952  (óleo sobre contrachapado)

Tlinko-F   1956-62  (óleo sobre lienzo )

Pelda-B  1977  (acrílico sobre lienzo)

Stri-Oet  1979  (acrílico sobre lienzo)

Marsan -2   1964-74  (acrílico sobre lienzo)

Manipur-negativo  1971  (acrílico sobre lienzo)

Relieve de pared en porcelana para Rosenthal  1970

(Múltiple. 25 cubos de porcelana polícroma esmaltada, montados en metal)

Ajedrez  1980  (Múltiple. Plexiglás sobre plancha acrílica)

Vasarely en su estudio de Arcueil  1953